Museo Nacional de Arte MUNAL
En el corazón palpitante de la Ciudad de México, donde las piedras aún murmuran los ecos de imperios y revoluciones, se erige el Museo Nacional de Arte (MUNAL) como un santuario del espíritu creador de nuestra nación. No es sólo un recinto que guarda pinturas y esculturas: es una cámara del tiempo donde se entrelazan los sueños, dolores y visiones de quienes han dado forma al rostro múltiple de México.
Desde los pinceles novohispanos hasta los gritos cromáticos del siglo XX, el MUNAL resguarda más que arte: resguarda identidad. Cada obra es una chispa de memoria, una semilla de orgullo, una ofrenda a la continuidad de un pueblo que nunca ha dejado de crear, resistir y renacer.
Visitar el MUNAL es un acto de reconocimiento: de lo que fuimos, de lo que somos, y de lo que todavía podemos llegar a ser.
Se encuentra en Tacuba 8 en la plaza de Manuel Tolsá frente la escultura ecuestre de Carlos IV monarca español en la época de la independencia
Antiguamente ahí existió un noviciado jesuita del siglo XVII que después de la expulsión jesuita de 1767 paso a ser hospital hasta su demolición en 1904
El actual palacio se construyó entre 1904 a 1911 por orden de Porfirio Diaz, la obra del arquitecto italiano Silvio Contri inspirado en el Palacio Strozzi en Florencia.
Estructura de metal revestida de cantera de la última etapa del porfiriato con su peculiar estilo afrancesado, de una arquitectura ecléctica propia de finales del siglo XIX y principios del XX donde se pueden reconocer elementos de estilos renacentista y neoclásico
La decoración pictórica de los plafones estuvo a cargo de Carlo Coppedé quien pinto una serie de alegorías: El Progreso, en el salón de recepciones, La Paz en la escalera principal y Europa transmitiendo su sabiduría a América por el telégrafo en la oficina telegráfica
Después de la Revolución el edificio fue Palacio de Comunicaciones y Obras Publicas Desde 1912 hasta 1955 habiendo sido inaugurado por Francisco I. Madero.
Los caminos principales, las redes ferroviarias, los puertos y los telégrafos eran regidos desde el majestuoso recinto.
Fue sede del archivo general de la nación de 1973 a 1982,
Abrió como museo en 1982 inaugurado por José López Portillo; se remodelo y abrió como MUNAL después de su remodelación en el año 2000.
Este fabuloso museo alberga arte desde la segunda mitad del siglo XVI hasta la segunda mitad del siglo XX; pintura escultura, grabado, dibujo y fotografía con más de 3000 piezas
Cuanta con salas de exhibiciones temporales, conciertos, ciclos de cine, conferencias, talleres para niños biblioteca de arte mexicano e internacional.
El Palacio de Comunicaciones
Inspirado en los grandes Palacios del renacimiento florentino del siglo XV, es un edificio simétrico organizado alrededor de un patio rectangular llamado de los Leones, el edificio consta de tres plantas principales.
Dentro de su estilo ecléctico destacan su vestíbulo, su escalera monumental de forma semicircular y el salón de recepciones de la planta noble
La decoración
La ornamentación del fastuoso edificio se compone de múltiples materiales y formas adosadas a la arquitectura, motivos geométricos y figurativos que representan temas mitológicos y simbolismos clásicos.
Tallados en piedra: capiteles, columnas, rosetones, ménsulas, cornisas, mascarones, claves y balaustras.
Tallados en madera plafones, molduras y lambrines
Trabajos de herrería ornamental en la escalera, los faroles, portabanderas, puertas, rejas, candelabros y marquesinas
Todas obras de los artistas florentinos Mariano, Carlo y Adolfo Coppedé
Entre las pinturas sobresale la del plafón circular de la escalera cuya temática es una escena de batalla mitológica pintada por Mariano Coppedé, los muros y plafones del salón de recepción pintados por su hijo Carlo sobre una alegoría antropomórfica de las modernas comunicaciones, la industria, la construcción y el comercio; al igual que la sala de telégrafos con un tema parecido relacionado con el telégrafo.
Fachada
La fachada fue creación de Contri y Mariano Coppedé y sus hijos Gino y Adolfo se encargaron de la escultura
Vestíbulo
Vestíbulo con arquitectura ecléctica destacan las quimeras y los leones y medallones en bajo relieve con gorros frigios y el escudo nacional.
Escalera principal
Escalera semicircular con huellas de mármol adornada con elementos orgánicos, elementos neogóticos como quimeras y gárgolas; las herrerías italianas de forma vegetal son provenientes de la Fondería del Pignone de Florencia además de la alegoría de La Paz
Salón de Recepciones
Salón de Recepciones espacio donde recibía el secretario de comunicaciones a los altos dignatarios actualmente se realizan conciertos y otros eventos culturales. Destacan los plafones de Carlo Coppedé representando la alegoría del progreso
Patio Central o Patio de los Leones
En el patio de los Leones se aprecia la arquitectura exterior del núcleo de las escaleras de estilos renacentista y neoclásico
El recinto museográfico está dividido en tres grandes secciones
Periodo virreinal
De claustros, templos parte de la real y pontificia Universidad de México, del palacio virreinal y en los talleres de los artistas y sus grandes exponentes:
Siglo XVII
Baltazar de Echave Orio
La porciúncula
La oración en el huerto
El martirio de San Ponciano
Alonso López de Herrera
La Asunción de la Virgen
Sebastián López de Arteaga
La incredulidad de Santo Tomás
José Juárez
El martirio de San Lorenzo
Autor desconocido
La Ultima Cena
Siglo XVIII
José de Mora
La Ultima Cena
Juan Francisco de Aguilera
La Purísima concepción con jesuitas
Miguel Cabrera
San Francisco Xavier
San Ignacio de Loyola
José de Páez
La destrucción de la misión de San Sabá en la provincia de Texas y el martirio de los padres fray Alonso Giraldo de Terreros y fray José Santiesteban.
Obra anónima
La muerte del justo
Gliptoteca
De la Piedra al Barro
Escultura mexicana siglos XIX y XX
Una colección de 70 piezas la Gliptoteca cuenta con piezas de mármol, terracota, yeso, bronce y barro
El comienzo fue después de la fundación de la Real Academia de San Carlos finales del siglo XVIII con la visita de maestros europeos que traen un estilo clásico basado en los maestros grecolatinos
Manuel Tolsá escultor y arquitecto fue maestro de San Carlos y trajo a sus alumnos la influencia del neoclásico, así como los temas mitológicos fue el autor de la escultura del rey de España Carlos IV conocido como el caballito que se encuentra en la plaza frente al museo
Manuel Tolsá
El Caballito
Heroicidad grecolatina
Lasegunda mitad del siglo XVIII se dio un gran interés por el arte y los temas clásicos especialmente después de los hallazgos arqueológicos de Pompeya y Herculano sepultados por el volcán Vesubio en 79 D.C. Algunos siglos atrás se habían regresado a los cánones grecolatinos durante el renacimiento, pero después el manierismo y el barroco se centraban en los temas judeocristianos; así surgió el neoclasicismo y su influencia llegó a la Nueva España con un academicismo sustentado en el dibujo del natural basado en la observación, el desnudó masculino con figuras idealizadas en posiciones heroicas.
Se fundó La Real Academia de San Carlos en noviembre de 1785, su precursor Gerónimo Antonio Gil venido dé España así como el célebre Miguel Tolsá, llegaron a La Nueva España con figuras de yeso y otros materiales e influenciaron hasta principios del siglo XIX con esa expresión y temática, con una clara influencia helénica y romana aplicada en temas judeocristianos, mitológicos y surgió una nueva exaltación de los personajes propios de la joven nación mexicana con las características de la estatuaria grecorromana.
Felipe Valero
Sansón bebiendo agua de la quijada de un asno
De la estatuaria clásica al idealismo romántico.
Manuel Vilar y la academia
Durante prácticamente la primera mitad del siglo XIX la influencia de Tolsá marcó el estilo y la temática en la academia de San Carlos, hasta 1846 con la llegada del catalán Manuel Vilar traído por una junta de gobierno conformada por intelectuales del partido conservador con el propósito de renovar la academia ya que las ideas “nazarenas “ y “puristas “ de Vilar comulgaban con el catolicismo imperante durante el gobierno de Santa Anna.
A pesar de que se continuó con la temática religiosa Vilar irrumpió con temas en los que incluyó a personajes históricos de la conquista, así como de la independencia para proyectos de monumentos nacionales, además que introdujo cambios en la visión estética dirigidos a la idealización y sensibilidad romántica propia de su época
Manuel Vilar
Un personaje que regreso a los temas nacionales retomando personajes de la época de la conquista y prehispánica.
Tlahuicole, General tlaxcalteca en acto ce combatir en el sacrificio gladiatorio 1851
Una obra en la que Vilar retoma un libro de Francisco Javier Clavijero: Historia Antigua de México , en el libro relata la leyenda heroica sobre Tlahuicole un guerrero tlaxcalteca famoso por vencer a 8 guerreros mexicas, idealizando al personaje con una musculatura exagerada que nos recuerdan a un Sansón bíblico
Tlahuicole es un ejemplo de cómo del arte clásico helénico y romano en su idealización de los personajes con exageración de musculatura como héroes mitológicos se notan en esta obra
Moctezuma II Emperador
Malinche
Felipe Sojo
Alumno de Vilar fue tomado como escultor oficial en la época de Maximiliano
Hércules, mediados del siglo XIX
El descendimiento de Cristo, 1856
Gabriel Guerra
La siguiente generación de escultores tras la muerte de Felipe Sojo trajo ya una carga del romanticismo que imperaba en Europa y trajo formas con mucha mayor sensualidad y belleza
Una burla al amor (Venus y Cupido)
Realismo poético y erotismo
La escultura modernista
La última etapa del siglo XIX desde la década de los ochentas se vio influenciada por los movimientos que surgieron en Europa, en México el modernismo y la seductora escultura de Auguste Rodin dieron un gran impulso a la escultura y el director Román S. de Lascuráin apoyo con pensiones para estudiantes mexicanos en Paris, entre ellos el primero Jesús F. Contreras autor del programa escultórico del pabellón de México en la Exposición Universal en Paris en 1889 y de la Malgré Tout; este fue un período brillante y prolífico en la escultura mexicana con temas de estatuaria nacional para monumentos públicos y el simbolismo inherente a la primer vanguardia que llegó a México; se innovaron los temas y se buscó abordar emociones como la melancolía, la tristeza, el terror y la frustración; la figura femenina en su desnudez se convirtió en un modelo erótico y fatalista reinterpretando los temas mitológicos o religiosos.
Ignacio Asúnsolo
Adolescente de 14 años
Boceto para el monumento de Oaxtepec, Ignacio Asúnsolo, primera mitad del siglo XX
Jesús Fructuoso Contreras
Malgré Tout (A pesar de todo)
Figura femenina sensual que representa la liberación de las ataduras de la mujer que rompe las cadenas que la atan en la sociedad y su proceso evolutivo
Escultura nacionalista
Mirar el pasado y fortalecer el presente
Durante el siglo XX surgió La “Escuela Mexicana de Escultura” cuyos integrantes provenientes tanto de la Academia de San Carlos como de la Escuela Libre de Escultura y Talla Directa que fundo Guillermo Ruiz; esta fue una escuela libre de academicismos, en ella participaron Oliverio Martínez, Rómulo Rozo, Mardonio Magaña y Juan Cruz Reyes y permaneció abierta hasta 1942 para después dar lugar a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado mejor conocida como “la Esmeralda” dirigida por Antonio M. Ruiz “El Corcito”, de ahí surgieron escultores como José L. Ruiz, Carlos Bracho, Federico Cantú, German Cueto, Francisco Zúñiga y Luis Ortiz Monasterio
La obra que conjuntó el idealismo nacionalista en la escultura fue el Monumento a la Revolución proyecto de rescate a cargo del arquitecto Carlos Obregón Santacilia en 1933, siendo Oliverio Martínez el ganador del conjunto de integración escultórico de las cuatro esquinas de la cúpula; el estado patrocinó la creación de gran número de monumentos con el tema de la Revolución triunfante, las gestas históricas y las inquietudes posrevolucionarias
Federico Cantú
Morelos
Esta obra nos muestra como en esta primera mitad del siglo XX hay una experimentación por buscar separarse de la academia europea y dan valor al arte popular, al nacionalismo y el regreso al arte prehispánico
Francisco Arturo Marín
Desolación 1957
Vida cotidiana y el arte sentimental
Durante la segunda mitad del siglo XIX se dio un gran auge de la pintura costumbrista y diferentes artistas se volcaron a este género cuya producción se destinó principalmente a colecciones privadas y exposiciones qué se organizaban en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Un ejemplo sobresaliente de este periodo fue Manuel Ocaranza quien abordó los temas mitológicos con cierta ironía y diversión recontextualizando a los personajes clásicos
La temática del romanticismo y el costumbrismo no sólo se refirió a escenas de la vida cotidiana o temas mitológicos, otro tema que se abordó en esta época fue la muerte, que se representó en escenas tristes con un profundo mensaje social, además él retrató cobró mucha demanda entre los acaudalados y personas de alto nivel para remarcar su linaje social.
Leonardo Izaguirre
Los borrachos (copia de Diego Velázquez)
Rodrigo Gutiérrez
Baco y Ariadna
Antonio Fabrés
Los borrachos (bacanal)
El catalán Antonio Fabrés fue subdirector de la Academia de San Carlos y trajo consigo esta obra que pintó en Europa, su pintura naturalista y neo-tenebrista se caracterizó por su alto grado de realismo y su gran observación de los pequeños detalles, en el lienzo plasmó múltiples personajes vestidos a la usanza mosquetera en torno a la figura de Baco semidesnudo y coronado con ramos a la usanza pagana en una taberna y rodeados de barricas de vino.
Una característica de la pintura de este género fue el abordar temas mitológicos grecolatinos y ponerlos en contextos mundanos.
Manuel Ocaranza
Travesuras del amor, 1871
En esta obra Ocaranza sacó al personaje mitológico de Cupido fuera de su contexto en una estancia doméstica de la época
Naturaleza muerta, segunda mitad del siglo XIX
Esta pieza fue de las ultimas o, la última de Ocaranza seis meses antes de su muerte con elementos que representan elementos como la copa rota y las moscas que fueron un símbolo de la podredumbre moral y física que posiblemente aluden a su propio autorretrato.
Estudio del desnudo y el erotismo mundano
En la transición del siglo XIX al siglo XX tanto en la escultura como en la pintura se comenzó a representar el estudio del desnudo femenino total, en los períodos anteriores se representó el desnudo masculino en posturas agraciadas, o heroicas e idealizadas como en el arte clásico grecolatino. Fue en 1891 cuando en la academia abrió una exposición dedicada al desnudo femenino en ambientes orientales y exóticos en un claro desafío a la moral religiosa que prevaleció en los períodos anteriores; así la belleza del cuerpo femenino se convirtió en un terreno fértil para la experimentación de las diferentes corrientes que surgieron desde el romanticismo, el realismo, el simbolismo, el modernismo y el puntillismo posimpresionista.
El auge de la experimentación y el perfeccionamiento técnico de las nuevas tendencias tomaron a el cuerpo femenino como referencia estética con una mezcla del idealismo clásico con un toque de erotismo en ambientes místicos con elementos de oriente.
Felipe S. Gutiérrez fue el primer pintor en presentar un desnudo femenino completo en México en su obra “La cazadora de Los Andes”, otro innovador fue Germán Gedovius con su “Desnudo barroco”, ambos fueron los precursores de una estética cargada de erotismo que impulsó la escultura modernista como en los desnudos rituales de Ángel Zárraga
Felipe Santiago Gutiérrez
La cazadora de Los Andes
El estudio de la figura humana en posiciones complicadas como son los escorzos muestra un alto grado del dominio de la técnica en una pintura disruptiva para su época mostrando a una mujer con su arco y flechas en un desnudo total sobre la piel de un felino en un ambiente serrano y salvaje, inspirada en la antigua leyenda caballeresca de las amazonas.
Germán Gedovius
Desnudo barroco
En esta obra German Gedovius muestra a una joven desnuda sobre un diván, cubierta por un velo y mostrando su seno y el pubis en un ámbito mundano, sin la sacralidad de los seres religiosos o mitológicos; una ambientación exótica y oriental con diferentes objetos decorativos, seda, almohadones y ornamentación de flores al estilo simbolista.
Ángel Zárraga
La dádiva
Los reyes magos
Una obra poco usual de abordar el tema de los Reyes Magos con el Niño Jesús representando al niño junto con los sabios astrólogos con una vestimenta exótica. En sus obras Zárraga aborda un tema religioso con figuras humanas con un toque de carnalidad.
Juan Téllez
Los espiritistas
XX en el XXI
Colección del Museo Nacional de Arte
Exposición permanente para mostrar en el siglo XXI la importancia del arte moderno que se produjo durante la primera mitad del siglo XX
La curaduría muestra los principales momentos por los que transitó el arte, las vanguardias y las diferentes aportaciones estéticas de los artistas mexicanos desde el año 1900 hasta 1970. Al mismo tiempo es un homenaje a las generosas donaciones por parte de los artistas, sus familiares, galeristas y coleccionistas que han enriquecido a este gran acervo cultural de México.
Las obras se dividen en 5 grupos temáticos: Despertar de la modernidad, Arte y Revolución, Vanguardia y reconstrucción nacional, Reinvención de dos géneros: retrato y naturaleza muerta
E Hitos de la Escuela Mexicana de Pintura. Óleos, grabados, litografías, dibujos, esculturas, fotografías así cómo obras de arte popular y publicaciones integran la colección del MUNAL.
Artistas que son referencia de los distintos momentos del arte mexicano: Saturnino Herrán, Joaquín Clausell, Gerardo Murillo “Dr. Atl”, Francisco Goitia, Ramón Cano Manilla, Alfredo Ramos Martínez, Rosario Cabrera, Adolfo Best Maugard, Fermín Revueltas, Lola Cueto, Pablo O’Higgins, Tina Modotti, Frida Kahlo, María Izquierdo, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Riviera entre los más sobresalientes que convierten a esta exposición en una de las más importantes colecciones de arte moderno mexicano.
Despertar a la modernidad
La primera mitad del siglo XX tuvo una gran influencia de las corrientes artísticas de finales del siglo XIX, la Escuela Nacional de Bellas Artes, anteriormente Academia de San Carlos mantenía su influencia del arte clásico y del romanticismo. La obra “El velorio” de José Jara ganó la medalla de bronce en la Exposición Universal de Paris en 1889 y primer lugar en la exposición de la ENBA en 1891, está obra muestra un tema rural mexicano con un gran realismo y calidad técnica.
También estudiantes que ganaron becas en el extranjero buscando encontrar la escénica del alma nacional se encontraron con tendencias modernistas como el esteticismo, el simbolismo y el decadentismo conformando un nacionalismo modernista que fue la base de la estilística del arte moderno mexicano, artistas como Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Francisco de la Torre son exponentes de esta nueva sensibilidad artística.
Francisco de la Torre
El caminante (el viajero)
José María Jara
El velorio
Saturnino Herrán
La ofrenda
Cuadro de paleta y técnica impresionista con elementos simbolistas que muestra la melancolía que representa la muerte dentro de la búsqueda de la identidad nacional de la época.
David Alfaro Siqueiros
Campesinos
Los artistas en Europa
Desde finales del siglo XIX Paris se convirtió en un centro de atención para las artes con sus salones y exposiciones universales, algunos artistas mexicanos fueron influenciados por las corrientes de su época como Félix Parra o Ignacio Rosas quienes retomaron en su obra al simbolismo y el romanticismo finisecular. Además, otro grupo de jóvenes artistas procedentes de la generación del Ateneo como Roberto Montenegro, Diego Riviera y Ángel Zárraga, se volcaron hacia las nuevas tendencias estéticas de las vanguardias europeas, un claro ejemplo es el retrato de Adolfo Best Maugard de Diego Riviera en donde se notan claramente elementos cubistas y futuristas en la obra.
Diego Rivera
Retrato de Adolfo Best Maugard
En 1913 El Futurismo era una vanguardia que ponía su atención en el progreso traído por la maquinaria y el progreso industrial; en el retrato del amigo de Rivera se muestra a un Maugard estilizado alargado, como antecedente de los retratos cubistas, así en la obra
se aprecia el interés por los movimientos futurista y cubista en los que experimento Diego Rivera durante su estancia en Paris.
Paisaje Zapatista
Cuadro realizado en 1915 por Rivera durante los inicios de su etapa cubista durante su estancia en Paris, es el primer cuadro en el que se acerca al tema de la Revolución con elementos del paisaje mexicano, el sarape de Saltillo, la carabina y el sombrero Zapatista como elementos de identidad nacional. El cuadro fue muy criticado en París por su tema nacionalista y por el figurativismo de elementos como el sombrero y el fusil
Roberto Montenegro
Pescador de Mayorca
Paisaje posimpresionista y modernista
Durante la primera década del siglo XX los pintores de paisajes se distanciaron del academicismo y del romanticismo imperante a finales del siglo XIX; así los paisajistas influenciados por, el impresionismo, el posimpresionismo y el modernismo; crean una nueva forma de abordar el tema de la naturaleza de una forma simbólica y sintética.
Joaquín Clausell es un pintor que logró mediante las técnicas del impresionismo realizar paisajes con atmósferas lumínicas y contrastes de obras de estudio al aire libre
Gerardo Murillo, Dr. Atl
Las nubes sobre el Valle de México
Paisaje del Dr. Atl en los que se nota su estudio de la geometría curvilínea con la que el artista experimento
Cola de caballo
La sombra del Popo
Arte y Revolución
La Revolución de 1910 ha sido uno de los momentos históricos qué más han marcado a la nación mexicana, el presidente y dictador Porfirio Díaz permaneció por más de 30 años en el poder sumiendo al país en una profunda desigualdad social en donde se cometían grandes abusos e injusticias para la clase campesina y obrera, que culminó con el levantamiento en armas. El arte funcionó como una forma de expresar los horrores y la desesperanza de la lucha armada.
Pintores como Francisco Goitia en obras como Tata Jesucristo o El paisaje de Zacatecas con ahorcados II muestra con claridad la desolación y el horror de la guerra civil. José Clemente Orozco expresó la destrucción y la violencia en obras como Muerte y resurrección.
La gráfica fue una manera de comunicar de una forma accesible y sintética las ideas políticas y de protesta en este campo José Guadalupe Posada y Leopoldo Méndez jugaron un papel sobresaliente.
Al concluir la Revolución en 1921 siendo presidente Álvaro Obregón se fundó la Secretaria de Educación Pública asignada a José Vasconcelos quien impulsó una visión nacionalista en la educación la cultura y el arte como un eje fundamental del México moderno; artistas que rescataron el ambiente indígena, rural y popular como símbolos de identidad nacional, obras como El globo de Ramón Cano Manilla, Cargadoras de agua de Ramón Alva de la Canal o El perico de Jorge González Camarena, constituyen ejemplos del llamado “Renacimiento del arte mexicano”.
Francisco Goitia
Tata Jesucristo
Paisaje de Zacatecas con ahorcados II
El viejo en el muladar
José Clemente Orozco
Muerte y resurrección
Manuel Rodríguez Lozano
La Revolución
Roberto Montenegro
Hombre con sombrero y niño
Fermín Revueltas
El trapiche
Francisco Zúñiga
Grupo de mujeres
Jorge González Camarena
El Perico
Obra con influencias cubistas y futuristas con una vibrante y colorida pintura de Gonzales Camarena que nos muestra a la Tehuana como un icono de la mujer mexicana.
Ramón Cano Manilla
El globo
Ezequiel Negrete Lira
Feria de San Juan
Vanguardia y reconstrucción nacional
Después de la Revolución México atravesó por un periodo de inestabilidad y se dio un proceso de regeneración y reconstrucción nacional, en este momento de transición surgió el movimiento estridentista dirigido por Manuel Maples Arce quien fundamentó su corriente artística con 3 manifiestos, en el primero invita a alejarse del modernismo, el paisaje tradicional y el folclorismo para acercarse a la innovación, el dinamismo y la vida cosmopolita. Los nuevos temas: la maquinaria, la industria, el paisaje transformado por las vías de comunicación, el transporte y las instalaciones eléctricas fueron el centro de la estética estridentista, los artistas que representaron este género fueron: Fermín Revueltas y Ramón Alva de la Canal, así como el escultor Germán Cueto.
El medio que utilizaron este grupo de artistas para expresar sus convicciones estéticas y políticas fue la Revista Horizonte de Germán List Arzubide, así como el Café Nadie de la colonia Roma en donde frecuentaban y realizaban diferentes actividades, la última etapa del estridentismo se desarrolló en Jalapa Veracruz entre 1925 y 1927.
Durante el gobierno del General Lázaro Cárdenas del Río, se dio un nuevo auge a la anatomía idealizada en especial el cuerpo masculino musculoso que representó al nuevo hombre de una época de progreso y construcción. La reconstrucción nacional y la industria cementera se convirtió en un icono del progreso y la modernidad. Federico Sánchez Fogarty gerente de cementos La Tolteca creo la revista Cemento en la que portadas y viñetas estaban a cargo de Jorge González Camarena con rasgos del art déco , el futurismo italiano y el constructivismo ruso; el cuadro los bañistas de Camarena muestran a cuerpos femeninos llenos de vigor en una composición publicitaria sobre el cemento
Julio Castellanos
Retrato de German Cueto
Rosendo Salazar Álamo
Proletarios
German Cueto
Sin título I
Sin título II
Jorge Gonzales Camarena
Las bañistas
La Unidad Social
Al término de la Revolución los reconocimientos de derechos sociales de obreros campesinos, militares y maestros rurales; al mismo tiempo el arte los convierte en el símbolo de la reconstrucción del tejido social.
Escultores como Ezequiel Negrete Lira en su escultura Un abrazo, Pablo O’Higgins en sus obras que representan la vida cotidiana de los obreros de la construcción son ejemplos de esta etapa de reunificación social.
A partir de 1921 gracias al gran impulso de la educación por parte de José Vasconcelos quien comenzó las escuelas rurales en comunidades indígenas para apoyar a los grupos originarios alfabetizando y llevando buenas prácticas a diferentes ámbitos, las escuelas eran dirigidas por “misioneros culturales” algunos de ellos destacados artistas como el estridentista Ramon Alva de la Canal y Lola Cueto que llevo el teatro guiñol a los niños indígenas.
En este periodo también hubo artistas críticos con los grupos que buscaban los beneficios personales del régimen posrevolucionario como Miguel Covarrubias en su cuadro El hueso.
Pablo O’Higgins
El desayuno (Obreros desayunando o El almuerzo en Nonoalco)
El fumador
Los Contemporáneos
Un grupo de literatos que buscaron renovar la cultura mexicana manteniendo el contacto con las vanguardias internacionales defendiendo la libertad de expresión valorando la cultura urbana y cosmopolita.
La revista que identifico la revista Contemporáneos editada por Jaime Torres Bodet y los escritores Ermilio Abreu Gómez, Jorge Cuesta, Enrique Gonzales Rojo, José Gorostiza, Salvador Novo, Bernardo Ortiz de Montellano, Gilberto Owen, Carlos Pellicer y Xavier Villaurrutia como los más sobresalientes representantes del movimiento.
En el ámbito de la pintura los contemporáneos fueron antagónicos del movimiento muralista por considerarlo como un movimiento ideológico; ellos por su parte eran tachados de “rorros” o “chulos” y sus obras como afeminadas en el contexto posrevolucionario; los contemporáneos defendieron la libertad y la independencia de la mujer.
Los artistas plásticos que participaron en la revista Contemporáneos fueron: Manuel Álvarez Bravo, Abraham Ángel, Carlos Mérida, María Izquierdo, Agustín lazo, Roberto Montenegro, Manuel Rodríguez Lozano, Carlos Orozco Romero y Rufino Tamayo; este también llamado “grupo no grupo” se disolvió en 1932.
Manuel Rodríguez Lozano
Retrato de Salvador Novo (El taxi)
Un cuadro que nos muestra una expresión de complicidad que presenta al cronista y poeta Salvador Novo en un taxi en pijama frente a un lugar que era un punto de encuentro de la comunidad gay en una época de gran intolerancia.
Carlos Orozco Romero
Retrato del poeta Jorge Cuesta
Rufino Tamayo
Torre de alta tensión
Reinvención de dos géneros: retrato y naturaleza muerta
La llegada a México de los artistas surrealistas exiliados encabezados por el poeta francés André Breton trajeron una nueva libertad creativa que replanteo los criterios sobre la realidad y el inconsciente, así como lo mágico y lo onírico, su influencia en los artistas mexicanos trajo obras que reinventaron los géneros de la naturaleza muerta y el retrato; María Izquierdo y Rufino Tamayo son ejemplos de esta innovadora corriente.
María Izquierdo originaria de San Juan de los Lagos Jalisco, estudio en el Ateneo Fuente de Saltillo y en la Escuela Nacional de Bellas Artes; pionera entre las mujeres artistas, fue la primera mujer mexicana en exponer en el Art Center de Nueva York; mantuvo una relación sentimental con Rufino Tamayo por cuatro años.
Su obra muestra elementos fantásticos pertenecientes a la cultura indígena y el arte popular.
Rufino Tamayo nació en Oaxaca, estudio en La Escuela Nacional de Bellas Artes, trabajo en el Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía dibujando arte prehispánico.
Sus primeras obras muestran la influencia del método Best Maugard y de las Escuelas de Pintura al Aire Libre; se acercó a poéticas neoyorquinas francesas y de las vanguardias mexicanas y se alejó del nacionalismo; se concentró en la posibilidad de una plástica pura y experimento con el figurativismo creando un antecedente del arte abstracto de la segunda mitad del siglo XX.
María Izquierdo
Autorretrato
Retrato de María Asúnsolo (Retrato de María Asúnsolo con caracol)
Rufino Tamayo
Los fumadores
Reloj y teléfono
Las musas de la pintura
Terror cósmico
Influencias metafísicas
Los años 30 y 40 del siglo XX fueron un momento en el que movimientos como el de los Contemporáneos se convierten en alternativas al folclorismo nacionalista, además de la presencia de artistas surrealistas exiliados en México, provoco el surgimiento de nuevas inquietudes estéticas que condujeron a un grupo de artistas mexicanos por los caminos de la Pintura Metafísica.
Descontextualización de objetos en ambientes del mundo de los sueños y diferentes estados emocionales se imprimieron en lienzos pintados por autores como: Francisco Gutiérrez, Gabriel Fernández Ledesma con obras como El mar que provoca una sensación de melancolía.
Gabriel Fernández Ledesma
El mar
Agustín Lazo
Niñas con jaula (Música II)
Retrato
Artistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX plasmaron retratos con temas de infantes, pinturas como El retrato de Manuel Dolores Asúnsolo de Raúl Anguiano o Retrato del niño Francisco de la Serna de Guillermo Avalos son representativas de este género.
Otros autores que trabajaron el tema del retrato utilizando las técnicas y las influencias propias de su tiempo fueron: Alfredo Ramos Martínez que fue del modernismo a la Escuela de Pintura al Aire Libre
Abraham Ángel estudioso del método Best Maugard con una intensa paleta fue reconocido como “talento naif innato”
Otros maestros del retrato del siglo XX se decantaron más a la tradición renacentista como: Jesús Guerrero Galván, Ramon Alva de la Canal y Juan Soriano
Raúl Anguiano
Retrato de Manuel Dolores Asúnsolo
Hitos de la Escuela Mexicana de Pintura
En la época posrevolucionaria con José Vasconcelos como secretario de Educación Pública se impuso un proyecto de reconstrucción nacional basado en reencontrar la identidad nacional a través del recate del mundo prehispánico, el mundo indígena, campesino y obrero, al igual que las tradiciones y fiestas.
Autores con una conciencia social impulsaron el movimiento muralista mexicano con la idea de recuperar los espacios públicos para poner al alcance de todos un arte histórico, político, didáctico y nacionalista.
A este episodio de arte nacionalista se le llamo Escuela Mexicana de Pintura y Escultura grandes exponentes de este movimiento han enriquecido el acervo artístico mexicano, sin embargo, existen artistas que han sido un hito de esta época: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
Diego Rivera
Nació en Guanajuato, desde muy joven estudio en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en 1907 viajo a Europa en donde se sumergió en las corrientes modernistas y de vanguardia en especial dentro del movimiento cubista aun que fue expulsado del mismo; de vuelta en México en 1922 se integró al proyecto de Vasconcelos durante este periodo se relacionó con personajes políticos e intelectuales como León Trotsky y André Breton; fue miembro del Partido Comunista; la calidad de su obra al igual que su dominio técnico lo convirtieron en uno de los artistas más sobresalientes de la historia del arte.
Diego Rivera
Retrato de Miss Justine Juleen Compton
Retrato de Pico e Inesita
La molendera
Las tentaciones de San Antonio
Esta pintura de Diego Rivera en su etapa surrealista nos muestra tubérculos con colores que algunos parecen rábanos y otros parecen mandrágoras y nos recuerdan las leyendas medievales sobre la planta mágica.
Rio Juchitán
José Clemente Orozco
Nació en Ciudad Guzmán Jalisco, estudio en la Escuela Nacional de Bellas Artes, desde temprana edad colaboro como caricaturista en los periódicos y revistas de protesta política.
Sus inicios en la pintura tenían influencia simbolista y decadentista en 1922 comenzó su etapa muralista, vivió en Estados Unidos de 1928 a 1934 donde dejo parte de su obra mural.
Al regresar a México pinto los murales del palacio de Bellas Artes, El Templo de Jesús Nazareno y su obra maestra El canto del hombre en llamas en el Hospicio Cabañas en Guadalajara.
José Clemente Orozco
El demagogo (Demagogia)
La serie Los Teules
Era una serie de cuadros de Orozco con el tema de la conquista vista desde el punto de vista de su brutalidad, inspirado en La historia verdadera de la conquista de la Nueva España de Bernal Diaz del Castillo.
Cabeza flechada, de la serie Los Teules
El desmembrado (Cadáver) de la serie Los Teules
David Alfaro Siqueiros
Estudio en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1911, así como en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Santa Anita; participo en la Revolución mexicana como soldado, viajo a Europa en 1919 en donde se relacionó con Diego Rivera, colaboro con el periódico El Machete.
En 1936 instalo en Nueva York un taller de experimentación plástica en donde trabajo con materiales nuevos como la piroxilina ahí fue maestro de Jackson Pollock.
Siqueiros fue un activista político y estuvo seis ocasiones en prisión, peleo en la guerra civil española y participo en el atentado en contra de León Trotsky en 1940.
David Alfaro Siqueiros
Retrato de María Asúnsolo niña
Retrato de Eloína
Retrato de maría Asúnsolo bajando la escalera
Aurora de México
El coronelazo (Autorretrato)
Francisco Zúñiga
Grupo de mujeres
Una impresionante obra de la última producción del escultor Francisco Zúñiga que está presente en el MUNAL gracias a la donación hecha por la Fundación Zúñiga Laborde A.C.
Historia del museo
El MUNAL ocupa el antiguo Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas, obra del arquitecto italiano Silvio Contri a inicios del siglo XX. Su arquitectura ecléctica y su gran escalinata de mármol lo convierten en uno de los edificios más impresionantes del centro capitalino. En 1982 abrió sus puertas como museo, consolidándose como guardián del arte nacional.
Colecciones y salas
El museo alberga una de las colecciones más completas de arte mexicano:
- Pintura virreinal de los siglos XVI al XVIII.
- Obras académicas del siglo XIX.
- Maestros modernos como Diego Rivera, José Clemente Orozco y Saturnino Herrán.
- Exposiciones temporales que dialogan con la tradición y lo contemporáneo.
La experiencia de la visita
Recorrer el MUNAL es entrar en un viaje por la historia del arte mexicano en un solo espacio. Desde los murales y grandes lienzos hasta retratos íntimos y esculturas, cada sala ofrece un encuentro con la identidad cultural de México. El edificio en sí mismo, con su gran patio central, ya es motivo de visita.
Cómo llegar
El MUNAL está ubicado en Tacuba 8, Centro Histórico, CDMX.
- Metro: línea 2, estación Bellas Artes o Allende.
- A pocos pasos del Palacio de Bellas Artes y Torre Latinoamericana.
- Estacionamientos privados cercanos.
Sitio oficial MUNAL: https://munal.mx/